O inglês William Shakespeare, nascido por volta de 1564, morto em 1616, escreveu A Tragédia de Hamlet (nome completo da obra) por volta de 1599. Nesse período, ele já era um mestre na arte da dramaturgia, e Hamlet fez sucesso imediatamente.

A mais longa peça do dramaturgo, restam dela várias versões. As mais completas ultrapassam quatro horas de duração.

Hamlet nos deu, além de “Ser ou não ser”, várias outras frases memoráveis, como “Há algo de podre no Reino da Dinamarca” e “Há mais coisas no céu e na terra, Horácio, do que as sonhadas por sua filosofia”.

A história, em linhas gerais, é a seguinte:

O fantasma do rei da Dinamarca pede a seu filho, o príncipe Hamlet, que vingue sua morte. Ele diz ao filho que quem o matou foi seu próprio irmão, tio de Hamlet e atual rei, Claudius, agora casado com a mãe de Hamlet, Gertrude. À beira da insanidade — ou fingindo estar à beira da insanidade — Hamlet reflete sobre a vida e a morte, e planeja matar seu tio.

Temendo por sua vida, Claudius também faz planos para matar o sobrinho. A peça culmina em um duelo ao final do qual Claudius, Gertrude, o oponente de Hamlet e o próprio Hamlet estão mortos. A família real está morta. Entra em cena Fortinbras, o príncipe da Noruega, que agora assumirá o trono e tomará o poder na Dinamarca.

O resumo acima não deixa dúvidas: Hamlet é (entre outras coisas) uma peça sobre vingança. Um tema muito popular no teatro na época em que ela foi escrita. Só que Shakespeare fez diferente.

“Dramaticamente, vingança é um grande tema porque contém ação e reação, e isso dá uma estrutura para a peça”, comentou o professor Jonathan Bate, da Oxford University, falando à Rádio 4 da BBC em 2017.

Ou seja, assim como nos filmes de ação hoje, as peças de vingança na Inglaterra de Shakespeare eram espetáculos movimentados, onde muita coisa acontecia.

“Mas o que é tão inovador nessa peça é que, enquanto versões anteriores de peças de vingança tinham como foco as ações do vingador, Hamlet para e pensa”, prossegue Bate.

“Então, a peça tinha mais solilóquios, mais momentos de reflexão interior do que qualquer outra peça que tinha vindo antes.”

Solilóquio é um recurso dramático em que o personagem fala consigo próprio.

Em Hamlet, o efeito desse recurso é que o príncipe da Dinamarca não revela a ninguém na corte seus pensamentos, mas desnuda sua alma para toda a plateia.

Ao longo de quatro séculos, grandes atores, homens e mulheres (sim, mulheres também), vêm aproveitando as incríveis falas que Shakespeare colocou na boca de Hamlet para exibir seus talentos dramáticos.

No século 20, Laurence Olivier, Ian McKellen, Ralph Fiennes, Keanu Reeves e Kenneth Branagh foram alguns.

Já neste século, Benedict Cumberbatch, por exemplo. No Brasil, Wagner Moura e Thiago Lacerda aceitaram o desafio.

Em 2008, a convite da prestigiosa companhia de teatro britânica Royal Shakespeare Company, David Tennant ofereceu sua versão do príncipe dinamarquês. Em 2023, ele relembrou a experiência em entrevista à BBC.

“(Hamlet) é um desses papeis que, quando você estuda teatro, você fantasia um dia interpretar”, conta Tennant.

Talvez por isso, receber o convite o deixou apavorado, mas ele não podia recusar, confessa.

“Você tem consciência da linhagem de atores amados que vieram antes de você e, claro, é maravilhoso segurar aquela tocha por um tempo. Para um ator, é quase como um evento olímpico. Definitivamente é o melhor papel do cânone.”

Tennant prossegue: “Como ator, você recebe essas palavras que são um pouco mágicas e no início um pouco difíceis porque elas têm 400 anos de idade. Elas precisam como que ser decodificadas e não se encaixam imediatamente na sua boca. É preciso traduzi-las, dá um pouco de trabalho. Do ponto de vista da plateia, isso também acontece”.

“Mas tem alguma coisa nessas palavras que, quando você entra nelas, quando você assume o controle delas (…), quando você sente, por um segundo, que está dirigindo as palavras e não elas dirigindo você… existe algo quase transcendental nelas.”

Entre essas palavras mágicas estão aquelas que dão título a essa reportagem.

A crítica de teatro e tradutora brasileira Bárbara Heliodora, morta em 2015, é autora da tradução de Hamlet mais usada no Brasil.

Heliodora optou por uma versão mais coloquial da célebre frase: “Ser ou não ser, essa é que é a questão”, ela propôs.

As linhas seguintes ficaram assim:

“Será mais nobre suportar na mente

As flechadas da trágica fortuna,

Ou tomar armas contra um mar de escolhos

E, enfrentando-os, vencer?”

Segundo o verbete “Ser ou não ser” da Enciclopédia Britannica, o monólogo expressa a obsessão de Hamlet com uma importante questão moral. É correto que Hamlet vingue a morte de seu pai matando o suspeito pelo assassinato, Claudius? O monólogo, diz o verbete, também trata da preocupação de Hamlet com os conceitos vida, “ser” e morte, “não ser”.

Quanto ao significado do monólogo, a enciclopédia cita duas linhas de interpretação. De acordo com a primeira, Hamlet estaria expressando o temor de que, ao matar seu tio Claudius, estaria cometendo um gravíssimo pecado. Como resultado, sua alma seria condenada à danação eterna.

A segunda interpretação seria que Hamlet estaria considerando cometer suicídio.

Ambas as interpretações têm fortes defensores e detratores, prossegue o verbete na Enciclopédia Britannica. E as várias nuances no significado do monólogo refletem a complexidade psicológica na construção do personagem.

Como é, para um diretor, dirigir essa cena?

Foi o que a BBC News Brasil perguntou à irlandesa Sinéad Rushe, que conversa com a reportagem ao final de um dia de ensaios com sua própria companhia de teatro para uma montagem experimental de Hamlet em parceria com a RADA.

Em sua resposta, às vezes encarnando o personagem e em outras falando de Hamlet na terceira pessoa, a diretora vai apresentando uma possível interpretação do monólogo.

Rushe diz que, primeiro, é preciso entender a situação em que o personagem se encontra. Ele está sozinho, perdeu o pai, o tio casou com a mãe, a mãe não dá mais atenção a ele. Hamlet também vê uma Dinamarca corrupta, incapaz sequer de seguir o período adequado de luto em respeito ao seu pai morto.

Rushe descreve o mundo pela ótica de Hamlet. Sem cor, sem vida, cheio de desesperança, corrupto, mau-cheiroso.

“Hamlet está perguntando a si mesmo, vale a pena viver nesse mundo?”

“Meu sofrimento é tão grande, estou pensando em me retirar desse mundo.”

Mentalmente, o ator se coloca nesse clima. E o monólogo é composto de uma série de perguntas, ela explica.

“É melhor ficar vivo ou dar fim à minha vida?

É mais nobre enfrentar o que a vida coloca no meu caminho ou dar um fim a mim mesmo?”

“Hamlet se imagina morto, reflete que talvez a morte traga imenso alívio. Talvez ele possa dormir, descansar, sonhar… mas e se ele tiver sonhos ruins? Ele se lembra do que o espírito de seu pai lhe disse, que estava preso no purgatório.”

“Se eu me matar, talvez vá para o purgatório, talvez eu sofra terrivelmente.”

Então, Hamlet sente medo, diz Rushe.

“O medo do que está além é tão grande, é por isso que nós não nos matamos, o medo impede que eu tire minha própria vida e impede que eu faça qualquer coisa. Então, não faço nada.”

Rushe diz que, para ela, o monólogo é interessante por ser uma espécie de carta suicida encenada pelo ator.

“Uma carta que depois é rasgada”, diz a diretora.

Quando se trata de encenar Shakespeare, no entanto, decisões do diretor e da produção podem transformar profundamente o sentido dessa cena — e claro, da peça inteira. É o que diz à BBC News Brasil a especialista em Shakespeare Sheila Cavanagh, professora da Emory University em Atlanta, Georgia, Estados Unidos.

“Uma das grandes questões em Hamlet é se suas faculdades mentais estão mesmo alteradas ou se seria tudo parte de uma estratégia dele.”

Em produções estreladas por grandes nomes, no entanto, é bem mais comum que Hamlet seja representado como uma figura reservada, enigmática, que não está louca, apenas finge estar, ela explica.

“Porque quando você tem esses grandes atores, eles querem parecer estar em controle. Agora, essa é apenas uma interpretação da peça. Outra interpretação seria a de que Hamlet está realmente perturbado mentalmente. Tudo isso é colocado de lado por razões que podem não ter relação com a peça em si.”

A possibilidade de que a saúde mental de Hamlet esteja afetada talvez dê peso aos argumentos dos que defendem haver conotações suicidas por trás das palavras “Ser ou não ser: eis a questão”.

Mas deixemos o monólogo de lado para explorar outros grandes temas presentes nessa obra e a relevância de Hamlet hoje.

Uma decisão da direção que também altera radicalmente o sentido da peça, prossegue Cavanagh, tem a ver com a inclusão ou não do personagem Fortinbras, cujo pai, rei da Noruega, foi morto pelo pai de Hamlet durante uma batalha.

Na versão completa da peça, Fortinbras está a caminho da Dinamarca para vingar a morte de seu pai e recuperar território tomado pela Dinamarca no passado. Nessa versão, Fortinbras chega com seu exército, encontra a família real morta e toma o poder.

“Quando Fortinbras é cortado, (a peça) vira uma tragédia doméstica”, diz Cavanagh.

Mas isso elimina da história uma dinâmica fundamental, ela explica. O que acontece com a família real tem sérias consequências para o povo dinamarquês.

“Acho que isso é algo muito importante nessa peça, esse vai e vem entre indivíduos, seus desejos, seu egoísmo, e a forma como isso afeta todos (na sociedade).”

Sinéad Rushe diz que Fortinbras não foi cortado de sua versão de Hamlet. E que na sua leitura da peça existem duas guerras em Hamlet. A externa, entre Dinamarca e Noruega, e a interna, entre Hamlet e Claudius.

“Nas interpretações modernas de Hamlet há uma ênfase no seu luto, na perda de seu pai e no seu relacionamento freudiano, edipiano, (com a mãe).”

Rushe lembra, no entanto, que Claudius usurpou o trono quando, na verdade, Hamlet seria o herdeiro legítimo.

“E a busca fundamental de Hamlet, seu desejo, é tomar de volta o que é seu”, ela argumenta.

“Não importa se ele está pronto ou se alguém mais acha que ele seria um bom rei. Ele nasceu para ser rei.”

Na opinião de Rushe, temas como esses, invasões, conquistas, território, poder, e a noção de que “o mais forte vencerá” tornam Hamlet uma história atual.

“Para mim, tudo isso reverbera agora, politicamente, em termos de Rússia, Israel e Trump nos Estados Unidos”, diz. “Nessa ideia de que quem tem o poder está com a razão.”

Como é possível para um jovem ator hoje se identificar com a figura de Hamlet?, pergunta a reportagem. A resposta de Rushe pode valer também para plateias de todas as idades.

“Acho interessante pensar em Hamlet como alguém jovem e vulnerável, se conectando com um futuro que ele achava que ia ser de um jeito, mas não será.”

Ele se sente perdido, em conflito, não sabe o que fazer consigo próprio, se sente inútil, diz Rushe.

A diretora fala de um outro tema recorrente na peça: o monitoramento. Personagens constantemente vigiam uns aos outros.

“A corrupção na Dinamarca, a vigilância, a espionagem… todo mundo está sendo observado e controlado. Isso faz com que Hamlet se sinta aprisionado, ele não pode abandonar sua vida e escolher um caminho diferente.”

Essas são questões com as quais jovens podem se identificar, diz.

“Como é sentir que você não tem nenhuma autonomia? Como é sentir que você foi apagado, que você não conta nesse mundo? Não sei como me encaixar, não sei qual é o meu papel.”

“(Hamlet) pode ser um príncipe, mas isso não torna sua situação menos difícil existencialmente.”

Relevante e atual, a história do atormentado príncipe dinamarquês continua a ser sucesso de bilheteria mundo afora.

No segundo semestre de 2025, só em Londres houve pelo menos duas montagens da peça. Uma no National Theatre. E a dirigida por Rushe, apresentada no teatro George Bernard Shaw, na Royal Academy of Dramatic Arts.

Eu pergunto a ela por que alguém deveria sair de casa para assistir Hamlet no teatro.

Rushe ri com gosto, talvez porque, para ela, a pergunta pareça quase uma provocação. E tenta explicar qual é, de verdade, o grande barato de Shakespeare.

“Bem, quando Shakespeare é bem feito, e o verso é compreendido e realmente incorporado (pelo ator), ele soa tão claro, tão fala de gente, é difícil de acreditar”, diz Sinéad Rushe. “Ele soa rico, cheio de nuances, engraçado, inteligente e incrivelmente contemporâneo.”

“Além disso, tem tantas frases e imagens dessa peça na consciência coletiva, é maravilhoso ouvi-las no seu contexto.”

“Nosso desafio”, conclui a diretora, “é fazer com que elas soem frescas, como se nunca tivessem sido ouvidas antes.”